Fotografia

Negli Stati Uniti rimase comunque un gruppo di fotografi che, seguendo Stieglitz, continuava a sostenere l’idea di una fotografia diretta. Negli anni Trenta diversi fotografi californiani formarono un gruppo chiamato f/64 (f/64 è l’apertura di diaframma che, su determinati obiettivi, consente la massima profondità di campo). I membri dell’f/64, tra cui Weston, Adams, Cunningham e Dorothea Lange, sostenevano che il fotografo dovesse realizzare solo immagini e dettagli con una messa a fuoco ad alta precisione. Adams e la Lange si concentrarono prevalentemente sugli abitanti delle zone rurali dell’Ovest, nonché sugli effetti di luce nei paesaggi; Weston e Cunningham si dedicarono a ritrarre soggetti cercando di evidenziare l’armonia delle forme naturali.

A partire dagli anni Cinquanta, da quando cioè la distinzione tra la foto d’arte e quella di documentazione non è stata più così netta, sono state elaborate diverse teorie su ciò che si intende per fotografia. Un deciso carattere introspettivo, ad esempio, caratterizza il lavoro di Minor Martin White e Aaron Siskind, i quali utilizzarono le foto come equivalenze di emozioni e pensieri personali (come Stieglitz descrisse il suo ultimo lavoro). Altri fotografi, come Robert Frank e Garry Winograd, si dedicarono a indagini sociali e antropologiche. Una terza tendenza si indirizzò verso la fotografia elaborata. Dall’inizio degli anni Sessanta drastici esperimenti di elaborazione hanno reso la fotografia sempre più impersonale e astratta. Sono stati recuperati i primi metodi di stampa, ritocco e pittura di fotografie. Un esempio sono le fototrasformazioni di Lucas Samaras o le immagini ottenute con più negativi di Jerry Uelsmann o, ancora, quelle sconnesse ed espressioniste di Cindy Sherman.

A partire dagli anni Sessanta iniziò a esere riconosciuta dignità artistica anche alla fotografia a colori; tra i più importanti autori si ricordano Eliot Porter, noto per i suoi dolci paesaggi, Marie Cosindas, che creò eleganti nature morte e ritratti su Polaroid, William Eggleston, famoso per l’intensità delle sue foto di oggetti, e Stephen Shore, celebre per i suoi paesaggi urbani. Tra i grandi fotografi della fine del Novecento ricordiamo anche Robert Mapplethorpe, che esordì negli anni Settanta con scatti su Polaroid, per arrivare, negli ultimi anni Ottanta, a un raffinato e scultoreo bianco e nero.

La fotografia è oggi saldamente riconosciuta come forma d’arte. Un crescente numero di scuole offre titoli e diplomi in belle arti con specializzazione in fotografia. Le stampe originali sono vendute ai collezionisti dalle gallerie specializzate e, a riprova di un’ormai solida consacrazione sul mercato dell’arte, le foto (così come le attrezzature) d’interesse storico sono battute nelle più importanti case d’asta accanto a quadri e mobili, sculture e gioielli. Libri di fotografi, cataloghi, saggi critici e storie della fotografia riempiono gli scaffali delle librerie e nelle edicole sono distribuiti riviste e periodici specializzati. Seguendo l’esempio del newyorkese MoMA (Museum of Modern Art), ormai quasi tutti i più importanti musei del mondo vantano ricche collezioni, nonché sezioni intere dedicate alla fotografia.